4. CLASICISMO (1750-1827)

- LA ÉPOCA DE CLASICISMO:

     *Política: Se empieza a gobernar de una forma distinta: el Despotismo ilustrado (todo para el pueblo pero sin el pueblo) que provoca algunas mejoras en educación, agricultura, etc.

      *Sociedad: La burguesía controla el comercio y crea nuevas máquinas; aspira el poder político.

      *Cultura: (Desde 1760 cambia la cultura con una nueva filosofía: la ilustración creada por científicos Newton, Lineo, Leibniz...), filósofos (Rosseau) y artistas que creen en la razón y la ciencia como medios de progreso y felicidad de los pueblos. Estas ideas se transmiten a través de La enciclopedia.

      *Arte: En arte aparece el estilo neoclásico, que imita a la antigüedad clásica grecolatina: lineas rectas y austeridad. n arquitectura se imitan los edificios clásicos, en pintura se tratan temas mitológicos y la escultura se inspira en el modelo clásico.

- LA MÚSICA EN EL CLASICISMO:

      *Triunfo de la música profana e instrumental. Frases con compases pares, cortas y de gran calidad. Ritmo regular y armonía sencilla. Sonata, sinfonía y concierto. Mayor difusión de la música: conciertos, etc. La ópera serie pervive con nuevas tendencias cómicas. El centro musical es Viena: Haydn, Mozart y Beethoven.

    

1.- DE LOS COMIENZOS AL TRIUNFO DEL CLASICISMO.

     * El clasicismo vienés: Tras un largo periodo en el que las escuelas musicales que extienden por toda Europa. Cuando Franz Joseph Haydn llego a la ciudad, la vida musical de la capital austriaca era muy rica. 

Más tarde fue Mozart quien se estableció la ciudad.

     *Los primeros tiempos: El termino clásico se aplica a la música para distinguir el estilo desarrollado durante la segunda mitad del siglo XVIII y los primeros años del XIX. En ellos destacan por Carl Philip Emmanuel y Johann Christian, muy admirados por Mozart.

     * Características musicales del clasicismo: Las características vienen determinadas por: 

La búsqueda de la sencillez y claridad.

Armonía plenamente tonal basada en tres grados básicos: Tónica, dominante y subdominante.

Interés concentrado en la melodía principal.

  

3.- SINFONIAS Y CONCIERTOS:

A lo largo del siglo XVIII se consolidadn la musica sinfonica. Su origen esta en la opera y en los templos.

En la opera agruparon instrumentos de distinta familia para dar color a la representaciones e intervenciales en las oberturas, las danzas, etc.

En los templos se añadieron cada vez mas instrumentos a las sonetas a chiesa y se formaron orquestas que engalanaban los oficios.

Debido a su origen la música sinfónica guarda cierta relación con la opera y con la música sacra, pero también influye la de la suite que adoptó a la de la orquesta.

La música sinfónica se convirtió a lo largo del siglo XVIII en un espectáculo. Los primeros conciertos públicos se organizaron en Londres y luego por el resto de Europa.

La orquesta es una agrupación de unos cuarenta músicos, la mayor parte de ellos con instrumentos de cuerda.

Paulatinamente la orquesta sinfónica fue enriqueciendo su platilla.

Las formas sinfónicas:

     * La sinfonías son ahora compuestas por orquestas en forma de ciclos de sonata.

     * Los conciertos son obras concebidas para la orquesta y solistas, también adoptaron la forma de ciclo de sonata.

     * El concierto incluye cadencias escritas o improvisadas, que son puntos próximos al final del andante.

4.- LA MUSICA DE CAMARA:

Música de cámara, es aquella compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones, no muy grandes, se les llamaba cámaras. Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzó poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.

Hay tres detalles que permiten caracterizar cabalmente una obra de cámara: 1) cada músico toca una parte diferente y 2) no hay director; los músicos deben estar situados de manera que puedan mirarse entre sí, para lograr la mejor coordinación. 

La agrupaciones de cámara las as habituales son: 

Sonata, trió, cuarteto y quinteto.

Junto a las formas derivadas de la sonata se cultivaron otras derivadas de la suite como los divertimentos serenatas o casaciones, con un numero variable de movimientos.

5.- LAS REFORMAS DE LA OPERA:

La reforma de la ópera sobrevino debido a los excesos que se produjeron en la ópera barroca, los cuales provenían sobre todo, y diríamos que casi exclusivamente, por parte de los castrati y algunas sopranos, que tampoco se quedaban atrás a la hora de querer demostrar ante el público sus habilidades en el canto.

Pensemos que el lucimiento que buscaban estos intérpretes llegaba hasta el extremo de hacer parar a la orquesta para poder exhibir sus habilidades con los trinados e inacabables coloraturas. Una vez se sentían satisfechos de lo que habían hecho dejaban que la orquesta continuara con la partitura. Otra cosa que también hacían sin el menor rubor era cambiar el orden de las arias, para su mayor comodidad. También existían lo que se llamaba arias di baule (arias de baúl), es decir una serie de arias que eran de su gusto y que interpretaban aunque no fueran de la ópera que se representaba en aquellos momentos. Ya comentamos en el capítulo dedicado a la ópera barroca , que el realismo no era lo que más interesaba en aquella época.

Así pues, todo esto tenía que cambiar, y menos mal que se hizo, de lo contrario no sabemos si la ópera hubiera evolucionado satisfactoriamente o por el contrario, hubiera ido degenerando.

El primero en abordar una reforma fue Alessandro Scarlatti, cansado de los desmanes que se estaban viendo en la ópera de su tiempo.

Scarlatti decidió que las arias, lo que se llamó arias da capo, tendrían tres partes: una primera parte movida (allegro), una segunda más lenta (adagio) y la tercera que era una repetición de la primera. Esto exigía que los cantantes interpretaran estrictamente lo que estaba escrito en la primera y segunda parte, dejando la tercera para que se pudieran lucir con entera libertad.

Esta reforma contentó en principio a todas las partes: compositores, libretistas, cantantes y músicos, sin olvidar al público, que así empezaba a distinguir la estructura de un aria.

Sin embargo, las arias resultaban excesivamente largas, con el consiguiente cansancio de los intérpretes, que una vez finalizada cada una de ellas, debían abandonar la escena para descansar, lo que tenían que tener en cuenta los libretistas para que la acción que se narraba no fuera incoherente al desaparecer el cantante de la escena.

Ocurría además que las óperas consistían en una sucesión aburrida y larga de recitativos y arias, así que nuevamente se iba imponiendo la idea de una nueva reforma. Esto lo hizo el que se considera el padre de la reforma de la ópera:Christoph Gluck.

Christoph Willibald Gluck nació en Erasbach (Alemania) el 2 de julio de 1714 y murió en Viena el 15 de noviembre de 1787.

Lo que hizo Gluck fue abandonar los principios barrocos para centrarse en los neoclásicos. Hagamos un paréntesis para constatar de que modo la ópera evoluciona a la par que la historia, y la historia nos cuenta que en 1748 se descubrieron las ruínas de Pompeya y Herculano, lo que despertó en la sociedad un renovado interés por el mundo clásico. Todo lo que definía al periodo barroco: el desequilibrio, la ornamentación y la exhuberancia, deja de tener interés, y los gustos se encaminan hacia la búsqueda del equilibrio, la simplicidad y todo lo que se refiere al mundo clásico. Consecuentemente volverán a la escena los héroes y dioses de la mitología y el drama al estilo griego y romano.

https://www.youtube.com/watch?v=qL0tYCTuNc8

3. EL BARROCO (1600-1750)

                                  3. EL BARROCO(1600-1750)


El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.¹
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).²
Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo.²
El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.3

La época en el barroco:

-Política: Existian monarquías absolutas, las diferencias entre católicos y protestantes se mezclan con la política y aparecen múltiples conflictos europeos, como la guerra de los años trenta.

-Sociedad: Continua el colonialismo y el mercantilismo y la sociedad estamental.
-Cultura: En ella aparece el pensamiento racionalista, la ciencia moderna basada en la experiencia filosófica empirista de Bacon, y en ella tambien nace la novela moderna con Cervantes.
-Arte: En ello se desarrolla un estilo grandioso que remarca la luz y la sombra, de gran movimiento y fuertes colores y exsaltan los artistas en escultura, Bernini y en pintura Rubens Velazquez etc..-
-La musica en el barroco:La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del renacimiento y seguido por la musica del clacisimo.
        
                1.LA EDAD DE ORO.

La experiencia como metodo cientifico: El periodo del barroco se dio floreciendo general de la voces y las ciencias en Europa.Mientras tanto , los cientificos, partidarios de la experimentacion, modificaron las teorías en torno al universo.
-El sonido del barroco. La sonoridad caracteristica de la música barroca puede definirse por la introduccion de las siguientes novedades: en ellas se clasifican las siguientes:
-1.La utilización del bajo continuo: Se refiere a una melodía sólidamente apoyada en el bajo.
-2.Definicón clara del ritmo: A lo largo del siglo XVII se generalizó la escritura de la música, utilizando compases.
-3.Nacimiento del estilo concertato: Ultilización de distintos planos sonoros y timbres que pueden obtenerse de una orquesta.
-Los periodos de la música barroca.
El primer barroco se caracteriza por el predominio de la música vocal y experimentación armónica.
En el barroco medio. La música vocal y la instrumental tuvieron la misma importancia, pero en cuanto a la armonía se produjo una evolución hacia la tonalidad.
Durante en el barroco tardío, predomina la musica instrumental.

          1.1.MÚSICA VOCAL PROFANA
   A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".
    Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos países:

El madrigal es una de las formas vocales mas representativas de este cambio estilistico. las dos ultimas obras de Luca Marenzio y Carlo Gesualdo ya apuntan hacia la mondía que sera difinitivamente asumida a partir del Libro V de madrigales de Claudio Monteverdi, publicado en el año 1605.

El nacimiento de la ópera: La opera surge en el circulo cultural del conde bardi en florencia. La conocida como Camerata Florentino que reunía a nobles, sabios, filosoficas, poetas y músicos.
La primera ópera conservada es la de Eurídice de Jacopo de Peri, a la que seguiría otra con el mismo título compuesta por Giulio Caccini, ambas fueron representadas en el año 1600.
Caracteristicas de nla opera en el barroco:
Es una forma músical narrativa que utiliza la representación escénica. Se desarrolla en varias partes:
-Obertura: Seccion instrumental que da comienzo a la obra
-Partes cantadas por coros y solistas
-interludios: Instrumentales que se intercalan articulando las distintas partes de la obra.
A continuación podremos ver dos tipos de opera y explicar un poco de cada una.
A) OPERA SERIA. En ella aparecen temas mitológicos y heroicos, sera el genero preferido de la aristocracia. Entre los compositores de este género destacan los siguientes: Antonio Cesti, Alessandri Stradella, etc...
B)OPERA BUFA: Argumentos que reflejan la vida cotidiana del pueblo presentando con frecuencia una crítica social a las clases altas.
La ópera se convertira en uno de los géneros mas importantes del barroco que ira adoptando caracteristicas peculiares en cada nación:
En francia en inglaterra en alemania y en españa.

          2. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA.
La música religiosa sigue teniendo un gran peso durante el Barroco. Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.

La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:

• Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L'homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina...

Una variante de este tipo de misa es la de parafrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez.

• Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem, o la Misa Mille regretz de Cristóbal de Morales, basada a su vez en una canción de Josquin.

El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela venciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.

Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el madrigal espititual la lauda italiana y el coral luterano.

las nuevas formas de música vocal religiosa que aparecen son la cantata, el oratorio y la pasión.

A continuación podremos explicar lo que es la cantata el oratorio y la pasion:

-La Cantata:La cantata ("cantada", del italiano cantare) es una pieza musical  escrita para una o más voces solistas acompañamiento musical  generalmente en varios movimientos y en ocasiones con un coro. Se distingue de la pieza para ser tocada o «sonada» (la sonata). La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y olatorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri.. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces.

El Oratorio:El oratorio (del lat. oratorium = casa de oración, del lat. orare = orar) es una forma de la musica clasica europea , que consta comúnmente de coros, arias y recitativos y es interpretado por solistas, coro y orquesta. Comúnmente, el oratorio tiene una trama derivada de la religion cristiana , aunque desde el siglo XIX también se han escrito oratorios de contenido no religioso. La trama de un oratorio consiste habitualmente en partes que describen las acciones de la trama y partes que comentan lo ocurrido.

El término deriva del latín "oratorium" y significa "casa de oración". Eso indica que los comienzos de la forma se encuentran en contemplaciones religiosas, pero no litúrgicas. A diferencia del castellano, en otros idiomas hay términos diferentes para el oratorio musical y el oratorio como casa de oración. Esta se denomina en inglés "oratory", en francés "oratoire", mientras que la forma musical se denomina "oratorio" en ambos idiomas.

La Pasión: Es un tema esclusivo de la pasion y de la muerte de Cristo inspirandose en Evangelios. El compositor mas destacado de este genero es Juan Sebastian de Bach , con dos de sus obras fundamentales: La pasion segun san mateo y la pasion segun san juan.

       4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL

 es, en oposición a una canción, una composición musical o pieza sin letra u otra suerte de música vocal; toda la música es producida por instrumentos musicales. Éstos incluyen cualesquiera del orden de los de cuerda, madera, metal y percusión.

Específicamente, instrumental es usado cuando se refiere a la música popular ; algunos géneros musicales hacen poco uso de la voz humana, tales como el post rock, el jazz, la musica electronica, y gran cantidad de la clasica. En la música comercial, algunos Albunes incluyen temas instrumentales.

En música clasica, la música instrumental se define por oposición a la música vocal . Ya desde el canto gregoriano hasta el renacimiento, la música vocal dominó todas las formas posibles de música, relegando la instrumental generalmente a la danza  y a realizar introducciones a la vocal; desde el barroco la música instrumental experimentó el gran desarrollo que posibilitó todas las formas y géneros exclusivamente instrumentales, además del gran virtuosismo instrumental y el afianzamiento de conjuntos instrumentales desde pequeños (dúos, cuarteto de cuerdas) hasta la orquesta

                      4.2 LA SUITE.

La suite es una coleccion de danzas de corte que se interpretan con un instrumento polifónico o con una pequeña orquesta.

Inicialmente eran danzas para ser bailadas, pero con el tiempo se convirtieron en una excusa para hacer música destinada solo a ser escuchada.

Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una alemanda , de ritmo rápido; luego una corrente  y una zarabanda; una bourée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la GIGA. La suite tuvo su apogeo con Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de «contraposición», típico del Barroco

Entre los compositores destacan Francois couperin quien compuso muchas suites y piezas para clave.

2.RENACIMIENTO DEL SIGLO (XV-XVI)

LA HISTORIA LA ÉPOCA Y LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO.

-La historia va desde el 1453 con la conquista de Bizancio por los turcos hasta el 1492 con la Conquista de Granada. Descubrimiento de Ámerica y esto ocurre en el siglo XV llamado o denominado Quatrocento.
-En el siglo XVI denominado Cincuecento va desde el 1517con la reforma prostestante luterana, entre medio 1545-1563 Concilio de Trento y 1519-1522 con la primera vuelta al mundo.
-En la Época la politica eran los reyes que apoyaban a la burguesía y tenían casi el poder absoluto, que se llamaban monarquías autoritarias.
El mayor imperio es el español.
-En la sociedad se desarrollaban en las cuidades y en el comercio. El sistema de comercio era acumular oro y plata, y es cuando aparecen los bancos y las industrias. Los campesinos son independientes, porque pueden y permiten emigrar a las nuevas colonias y entonces es cuando crece la población.
-La Cultura existían grandes pensadores, como filósofos y dentro de ellos estaba Erasmo de Rotterdam etc... Las ideas y conocimientos se divulgaban con la mayor rapidez que podía existir.
-El Arte en la época era que la burguesía tenía mucho dinero y ya no dependía exclusivamente de la iglesia. Grande familias como los Medici o algunos papas de Italia eran Mecenas. Se imita el mundo Griego y Romano y al ser humano como centro y medida. El centro cultural de la época estaba situado en Italia.
-La Música en el renacimiento era el mismo estilo musica religiosa vocal e instrumental.
-Aparación de instrumentos de cuerda y polifónicos.
-Formas instrumentales Variación o Tocata.
-Formas polifónicas el coral, los Anthems y motetes en la Europa Católica.
-Las formas de danza que existian eran las siguientes: Pavana y la gallarda
LOS COMPOSITORES DEL RENACIMIENTO SE CLASIFICAN EN LOS SIGUIENTE:
-1ºRen-DUFAY Y OCKEGHEM
-Alto Ren: JOSQUÍN DESPREZ
-Bajo Ren-PALESTRINA MONTEVERDI Y T.L.VICTORIA.

-1. EL DESARROLLO DE LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA.
Durante el Renacimiento la iglesia sufre luchas y rompe con la unidad del catolicismo.La iglesia católica siguirá su tradición musical llevando a cabo la polifonía a su máximo esplendor, hasta el periodo que se conoce o se denomina como "El Siglo De Oro De La Polifonía
En Alemania , Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519 estableciendo el protestantismo. Lutero consideraba la música como lo más importante despúes de la teología; le permitió crear el coral principal forma musical de su iglesia.
El coral protestante es una composición sencilla muchas veces basadas en melodías populares. Estas caracteristicas facilitarion la partición de los fieles coral del himno de la religión protestante.
En Inglaterra, Enrique VII se separa de Roma en el año 1534 creando la iglesia anglicana y autoproclamándose  caneza cabeza visible de la misma.

 La música del Renacimiento o música renacentista es la música clasica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.

Estilo

La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante (uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del número de voces, todas de igual importancia y regidas por las reglas del contrapunto: independencia de las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etcétera.

El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces de carácter cantabile; cada línea melódica o voz podía ser interpretada indistintamente con voces reales o con instrumentos. Si bien el rango de cada línea supera apenas la octava, la extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas, evitándose el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran heterogéneas y contrastantes en la polifonía medieval).

El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a agotarse hacia el final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como movimiento entre fundamentales, característica definitoria de la tonalidad.

Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.
La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:

• Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L´homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina...

•      Una variante de este tipo de misa es la de paráfrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez. o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem o la Misa Mille Regretz de Cistobal de Moral, basada a su vez en una canción de Josquin.

    Aqui podemos ver unas de las partituras o escrituras del renacimiento:
                                                         
 

Y a siguiente podremos ver unos de los compositores más importantes del Renacimiento llamado, Johannes Ockeghem.
                                                   

Aqui os puedo dejar todos los compositores que han ido trascurriendo en el Renacimiento.
                                  

4.3. LA POLIFONÍA PROFANA.
En la polifonía del renacimiento floreció una música para el entretenimiento y el recreo de las clases altas. Dentro de ellas podemos ver las siguientes características:
-Emplea las lenguas VERNÁCULAS.
-Se inspiran tradiciones populares y trovadorescas.
-Se permiten mas ATREVIMIENTOS.
-Las mas importantes de la polifonía profana son las siguientes y las mas importantes:
La chanson, el villancico, el
La música profana es el contrario de la música sacra, ya que la música sacra era creada respecto a Dios u otros símbolos religiosos (fiestas religiosas, santos, etc.), la música profana era música que tenía temas diferentes a los religiosos, que también servían para culturizar al pueblo,es decir música popular del pueblo
Así también se habla de la música profana del medievo o profana medieval la cual se desarrolló a finales del siglo IX, después de la aparición de la música gregoriana y casi al mismo tiempo que la polifonía, que eran otros periodos de la música, los cuales se consideran unas de las primeras épocas musicales en la cual no las separaban por la zona en la que fue creada sino por Género musical, ya que antes se separaban por la música de Grecia, Roma, China, Japón, Egipto, oriente medio y los aborígenes (para a alguien autóctono de una zona -la música aborigen abarca la música americana, africana y oceánica-). La música profana medieval buscaba divertir al pueblo, (historias de amor, romances, etc.). Con este tipo de música surgen los famosos juglares que eran cantantes que iban de pueblo en pueblo, (ya sean insultos referidos a Dios, o cosas no necesariamente malas, si no con otros temas) o herejías sólo por diversión. Dentro de la música profana podemos distinguir entre: - Música popular - Música culta
madrigal.
Los instrumentos mas destacados de la polifonía profana eran los siguientes:
-Los instrumentos más destacados eran las flautas, las cuerdas (instrumento musical parecido a una lira "una guitarra pequeña") y panderetas, pero a su vez también se empleaban gaitas y otros instrumentos parecidos, rara vez cantaban: hablaban rimando y con música de fondo.Esta música se interpreta en ámbitos profesionales (en la Corte, en las festividades, etc.) y cada vez más en el ámbito doméstico: en muchos hogares se usa el laúd, la vihuela o el clavicémbalo acompañando el canto o como instrumentos solistas.
4.4.LA MÚSICA INSTRUMENTAL.
- La música instrumental es, en oposición a una canción, una composición musical o pieza sin letra u otra suerte de música vocal; toda la música es producida por instrumentos musicales. Éstos incluyen cualesquiera del orden de los de cuerda, madera, metal y percusión.
Específicamente, instrumental es usado cuando se refiere a la música popular; algunos géneros musicales hacen poco uso de la voz humana, tales como el post rock, el jazz, la música electronica, y gran cantidad de la clásica. En la música comercial, algunos albunes incluyen temas instrumentales.
En música clásica, la música instrumental se define por oposición a la música vocal. Ya desde el canto gregoriano hasta el renacimiento, la música vocal dominó todas las formas posibles de música, relegando la instrumental generalmente a la danza y a realizar introducciones a la vocal; desde el barroco la música instrumental experimentó el gran desarrollo que posibilitó todas las formas y géneros exclusivamente instrumentales, además del gran virtuosimo instrumental y el afianzamiento de conjuntos instrumentales desde pequeños (dúos, cuarteto de cuerdas) hasta la orquesta.
Pero principalmente se utilizaron el órgano, el laúd, y el vihuela.

Y por ultimo veremos los años dorados de la danza, la danza cobró una gran importancia en todo el impulso de Europa.
  La danza o el baile, es la ejecución de movimientos que se realizan con el cuerpo, principalmente con los brazos y las piernas y que van acorde a la música que se desee bailar. Dicho baile tiene una duración específica que va desde segundos, minutos, e incluso hasta horas y puede ser de carácter artístico, de entretenimiento o religioso. De igual manera, es también una forma de expresar nuestros sentimientos y emociones a través de gestos finos, armoniosos y coordinados. El baile, en muchos casos, también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal. Es una de las pocas artes donde nosotros mismos somos el material y punto de atención. Es un arte bello, expresivo y emocionante en muchos aspectos, tanto para los que disfrutan con su contemplación (público), como para los que bailan en ése momento (bailarín) y al ser ameno, (en la mayoría de los casos) puede disfrutarse por toda la gente, aunque en algunas ocasiones, el apreciar un tipo de baile en específico, dependerá tanto de la audiencia, como del bailarín. Es importante destacar, que la danza es una de las bellas artes más simbólicas, ya que, principalmente, se acentúa la necesidad de transmitir emociones y comunicar un mensaje a la audiencia.
El hombre se ha manifestado a través de las artes desde su aparición en la Tierra. Así nos llegan desde tiempos remotos sus creaciones, y de su mano, sus costumbres, su vida, y su historia. La danza no es ajena a este fenómeno, pues ha formado parte de la historia de la Humanidad desde tiempos inmemoriales y es de las artes que a través del tiempo ha sido un exponente importante para humanidad, utilizándose para diversos fines, como artísticos, de entretenimiento, culturales, religiosos, etc.

Las danzas antiguas (o históricas) en un término colectivo que abarca una amplia variedad de tipos de danza, que se bailaban desde el pasado hasta el presente.
Los bailes desde principios del siglo XX pueden ser recreados precisamente, ya que se conservan en la memoria y en películas y grabaciones en vídeo. Sin embargo, las danzas antiguas deben de ser reconstruidas a partir de pruebas como notaciones y manuales de danza que han sobrevivido hasta el presente. Las danzas antiguas, además de bailadas por placer, se interpretan como o de una investigación histórica.
Se debe precisar que en la tradición europea existió una diferenciación importante entre el término danza y el término baile. Esto se fundamentó en criterios tanto sociales como morales de la época. El término danza se utilizaba para aquellas prácticas dignas de la aristocracia, tenían un diseño de coreografía con movimientos controlados y estilizados,, como lo señala el «Diccionario de autoridades»: la danza era un "baile serio" . Por otro lado, el baile era relacionado con las clases bajas, generalmente por su movimientos más libres, considerados deshonestos y hasta lascivos . Jusepe Antonio González de Salas autor de la época lo señala de la siguiente manera: "Cabe mencionar una distinción entre danza y baile. Así, la primera es un género más antiguo, según Ateneo, en el que sólo se usan los pies y en el que los movimientos suelen ser más "mesurados y graves". Por el contrario, en los bailes se usan pies y manos y los movimientos son más libres o desmedidos”

LO MÁS BAILADO DEL SIGLO XVI.
-Os podemos dejar lo bailes mas famosos y mas bailados en el sigle XVI.
-tarantela
-Pavana
-Gallarda
-zarabanda
-Alemanda
-Courante

TEMA 4.

GRANDES PERIÓDOS DE LA MÚSICA CULTA

1. EDAD MEDIA
es el periódo histórico de la civilización occidental comprendido entre el siglo V y el XV. Su comienzo se sitúa convencionalmente en el año 476 con la caída del imperio romano en occidente y su fin en 1492 con el descubrimiento de América.

Actualmente los historiadores del periodo prefieren matizar esta ruptura entre la Antigüedad y Edad Media de manera que entre los siglos III y VIII se suele hablar de Antigüedad Tardía, que habría sido una gran etapa de transición en todos los ámbitos.

También surgieron en la Edad Media formas políticas nuevas, que van desde el Califato islámico a los poderes universales de la cristiandad latina.

La sociedad en la Edad Media la mayoría de las personas vivían aislada en el campo, y se solían organizar en pequeño feudos. Cuando el feudo era mas grande más poderes tenía nuestro señor. Pero que el Rey no era casi siempre lo más importante. Esas personas nacían en un pequeño grupo social y no podían cambiar aunque tuviesen demasiado dinero a lo que le denominaban Sociedad Estamental.

La cultura en la Edad Media su religión era el cristianismo por la cual es la iglesia la que tiene el enorme poder. Eran aquellos que solamente sabían leer y escribir normalmente en latín. En los monasterios es donde se reserva la cultura y aquellos sitios donde iban a estudiar.

El arte en la Edad Media se creaba un pequeño estilo de iglesias o monasterios que se denominaban Rómanico, con paredes gruesas, muy pocas ventanas y lo esencial el arco de medio punto.

La musica existían variedades de música, como: Canto Gregoriano Guido D´Arezzo (notación musical) Ars antiqua (música monodica)

A esta etapa de la Edad Media se le puede llamar Alta Edad Media que comprendía entre el 476 con la Caída del Imperio Romano de Occidente hasta el 800 con Carlomagno Emperador
-Ahora pasaremos a la Baja Edad Media (Gótico).
La política quería ser mas poderosa que todos los señores feudales, dan privilegios y prestan dinero. El feudalismo poco a poco va cambiando.
-La Sociedad, los burgueses buscan dinero buscan trabajo, quieren tener poder político y depender solo de un rey. En el siglo XIV hay una profunda crisis económica y la peste negra a la vez. Muera casi toda o gran parte de la población europea.
-La Cultura aparecen las primeras universidad y se empieza a hablar y a escribirse en lengua de cada país como el castellano, francés etc...
-El Arte: Poco a poco se va desarrollando más y se van construyendo las catedrales en las cuidades es un estilo cristiano y similar en toda Europa.
-La Música que se estilaba era el Ars Nova que era música polifónica que dentro de ella se encontraba Philippe de Vitrg y G. de Machaut. y después estaba los trovadores y amor cortés.
Con todo esto podremos ver las siguientes imagenes.

 

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1. Canto de los Ángeles, el gregoriano.
    1.1 Los origenes del canto gregoriano:  El canto llamado gregoriano es un tipo de canto llano.
    Las formas musicales de los origenes del canto gregoriano.
  -Las principales expresiones del canto gregoriano son el recitativo litúrgico, la Salmodia, la Santa Misa  y el Oficio divino
Los cantos del propio de la misa: Los propios están constituidos por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra.

• Introito: canto de entrada
• Gradual, aleluya o tracto: después de las lecturas
• Secuencias
• Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas
• Comunión.

 -Los cantos del Ordinario de la Misa:  El Ordinario está compuesto por textos que se repetían en todas las Misas. Los textos se mantenían invariables.

 -El Kyrie consiste de la repetición de "Kyrie eleison, Christe eleison, Kyrie eleison" ("Señor ten piedad, Cristo ten piedad, Señor ten piedad").
 -El Gloria canta la Gran Doxología. Ambos son largos y frecuentemente el texto es alternado entre partes del coro o entre el coro y la congregación.
 - Credo:Su título es "Misa del Día de Navidad: Credo". Compuesto en el S.VII en adelante. Su textura es monofónica. Lo canta un solista.

 El gregoriano es un canto monódico, es decir, a una sola voz. Se interpreta sin acompañamientos de instrumentos y su textos, de contenido religioso, está escrito en latín.

Así empezaron a utilizarse neumas, signos que sirven de guiía visual para recordar los distintos cantos. El primer monje Guido D'Arezzo emplearon líneas paralelas para situar los signos musicales. Siglos después, los neumas fueron sustituidos por unos signos mas claros y de forma cuadrada.

2. El Amor Caballeresco
En la Edad Media existen numerosos manuscritos musicales, pero la mayor parte de ellos son de tema religioso. Hubo una monodía profana que apenas han llegado los documentos escritos de ella. lastimablemente eran los copistas y teóricos que eran monjes a cuales no le gustaba la música profana.
1.1. LOS TROVADORES Y TROVEROS.
Los Trovadores, poetas-músicos tuvieron una grandisima importancia durante la Edad Media sobre todo en los países como España y Francia. Nació en Provenza, su tema principal eran canciones era el amor caballeresco. EStos personajes surgieron a finales del siglo XI, emplearon la lengua provenzal en sus composiciones.
Los troveros, surgidos en Francia, pero en el norte del país, por lo que se expresaron y compusieron sus canciones en lenguas distintas. Los troveros tomaron el relevo de los trovadores desarrollando su actividad desde el siglo XII.
Trovadores y Troveros  gozaron de gran prestigio, hasta el punto de algunos nobles o incluso de reyes, como Ricardo Corazón de León y Alfonso X el Sabio.
1.2. LAS COMPOSICIONES.
Los Trovadores se conservan sobre unos 2600 poemas y 275 melodías y son variados por los siguientes:
-CANSÓ: Dedicado a el amor cortés.
-SIRVENTÉS: Canción dedicada al noble 
-CANCIÓN DEL ALBA: Compuesta para ser cantada cuando el amante se tiene que despedir de su novia.
Los troveros conservan sobre unos 2400 poemas y 1700 melodías. Los tipos mas frecuentes son los siguientes:
-LAÍS: Queja amorosa
-CANCIÓN DE MALCASADA: Mujer casada que se queda de su propio marido.
-CANCIÓN DE TRABAJO: Cantada mientras se realizan distintas labores.
1.3.LOS JUGLARES.
Eran músicos ambulantes, que aparte de cantar y tocar instrumentos contaban chistes, historias y cualidades mímicas para hacer reír o divertir al pueblo. Fueron criticados por la iglesia por sus actuaciones y sus cantos de texto vulgar, danzas etc...
3. EL DESARROLLO DE LA POLIFONÍA.DEL ARS ANTIQUA AL ARS NOVA.
 1.1.LOS ORIGENES DEL CANTO POLIFÓNICO.
 En el siglo X y tras varios de cientos de años el cantar gregoriano con el mismo repertorio y la misma serie de variaciones seguía cantandose a una sola voz.

El ARS ANTIQUA
A mitad del siglo XII, Europa conoció prosperidad cultural. Lo más famosos fueron Perotin . Las composiciones de todos ellos son conocidas como la música, la escuela de Notre Dame, hablando de ellos, los encontramos dentro del denominado ars antiqua. 
Ganum, Aunque este tipo de composición había elegido hacía tiempo con el ars antiqua se desarrolla y evoluciona.
EL ARS NOVA
Se conoce con el nombre de ars nova a la época de grandes innovaciones musicales que desarrolló a lo largo del siglo XIV. Fue Philippe de Vitry (1291-1361). Con el ars nova la polifonía medieval llega a su máxima perfección. Guillaume de Machaut fue uno de sus más destacados compositores.
Estas polémicas, que animaron y radicalizaron a teóricos y compositores, fueron un estímulo para la música.