4. CLASICISMO (1750-1827)

- LA ÉPOCA DE CLASICISMO:

     *Política: Se empieza a gobernar de una forma distinta: el Despotismo ilustrado (todo para el pueblo pero sin el pueblo) que provoca algunas mejoras en educación, agricultura, etc.

      *Sociedad: La burguesía controla el comercio y crea nuevas máquinas; aspira el poder político.

      *Cultura: (Desde 1760 cambia la cultura con una nueva filosofía: la ilustración creada por científicos Newton, Lineo, Leibniz...), filósofos (Rosseau) y artistas que creen en la razón y la ciencia como medios de progreso y felicidad de los pueblos. Estas ideas se transmiten a través de La enciclopedia.

      *Arte: En arte aparece el estilo neoclásico, que imita a la antigüedad clásica grecolatina: lineas rectas y austeridad. n arquitectura se imitan los edificios clásicos, en pintura se tratan temas mitológicos y la escultura se inspira en el modelo clásico.

- LA MÚSICA EN EL CLASICISMO:

      *Triunfo de la música profana e instrumental. Frases con compases pares, cortas y de gran calidad. Ritmo regular y armonía sencilla. Sonata, sinfonía y concierto. Mayor difusión de la música: conciertos, etc. La ópera serie pervive con nuevas tendencias cómicas. El centro musical es Viena: Haydn, Mozart y Beethoven.

    

1.- DE LOS COMIENZOS AL TRIUNFO DEL CLASICISMO.

     * El clasicismo vienés: Tras un largo periodo en el que las escuelas musicales que extienden por toda Europa. Cuando Franz Joseph Haydn llego a la ciudad, la vida musical de la capital austriaca era muy rica. 

Más tarde fue Mozart quien se estableció la ciudad.

     *Los primeros tiempos: El termino clásico se aplica a la música para distinguir el estilo desarrollado durante la segunda mitad del siglo XVIII y los primeros años del XIX. En ellos destacan por Carl Philip Emmanuel y Johann Christian, muy admirados por Mozart.

     * Características musicales del clasicismo: Las características vienen determinadas por: 

La búsqueda de la sencillez y claridad.

Armonía plenamente tonal basada en tres grados básicos: Tónica, dominante y subdominante.

Interés concentrado en la melodía principal.

  

3.- SINFONIAS Y CONCIERTOS:

A lo largo del siglo XVIII se consolidadn la musica sinfonica. Su origen esta en la opera y en los templos.

En la opera agruparon instrumentos de distinta familia para dar color a la representaciones e intervenciales en las oberturas, las danzas, etc.

En los templos se añadieron cada vez mas instrumentos a las sonetas a chiesa y se formaron orquestas que engalanaban los oficios.

Debido a su origen la música sinfónica guarda cierta relación con la opera y con la música sacra, pero también influye la de la suite que adoptó a la de la orquesta.

La música sinfónica se convirtió a lo largo del siglo XVIII en un espectáculo. Los primeros conciertos públicos se organizaron en Londres y luego por el resto de Europa.

La orquesta es una agrupación de unos cuarenta músicos, la mayor parte de ellos con instrumentos de cuerda.

Paulatinamente la orquesta sinfónica fue enriqueciendo su platilla.

Las formas sinfónicas:

     * La sinfonías son ahora compuestas por orquestas en forma de ciclos de sonata.

     * Los conciertos son obras concebidas para la orquesta y solistas, también adoptaron la forma de ciclo de sonata.

     * El concierto incluye cadencias escritas o improvisadas, que son puntos próximos al final del andante.

4.- LA MUSICA DE CAMARA:

Música de cámara, es aquella compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones, no muy grandes, se les llamaba cámaras. Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzó poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.

Hay tres detalles que permiten caracterizar cabalmente una obra de cámara: 1) cada músico toca una parte diferente y 2) no hay director; los músicos deben estar situados de manera que puedan mirarse entre sí, para lograr la mejor coordinación. 

La agrupaciones de cámara las as habituales son: 

Sonata, trió, cuarteto y quinteto.

Junto a las formas derivadas de la sonata se cultivaron otras derivadas de la suite como los divertimentos serenatas o casaciones, con un numero variable de movimientos.

5.- LAS REFORMAS DE LA OPERA:

La reforma de la ópera sobrevino debido a los excesos que se produjeron en la ópera barroca, los cuales provenían sobre todo, y diríamos que casi exclusivamente, por parte de los castrati y algunas sopranos, que tampoco se quedaban atrás a la hora de querer demostrar ante el público sus habilidades en el canto.

Pensemos que el lucimiento que buscaban estos intérpretes llegaba hasta el extremo de hacer parar a la orquesta para poder exhibir sus habilidades con los trinados e inacabables coloraturas. Una vez se sentían satisfechos de lo que habían hecho dejaban que la orquesta continuara con la partitura. Otra cosa que también hacían sin el menor rubor era cambiar el orden de las arias, para su mayor comodidad. También existían lo que se llamaba arias di baule (arias de baúl), es decir una serie de arias que eran de su gusto y que interpretaban aunque no fueran de la ópera que se representaba en aquellos momentos. Ya comentamos en el capítulo dedicado a la ópera barroca , que el realismo no era lo que más interesaba en aquella época.

Así pues, todo esto tenía que cambiar, y menos mal que se hizo, de lo contrario no sabemos si la ópera hubiera evolucionado satisfactoriamente o por el contrario, hubiera ido degenerando.

El primero en abordar una reforma fue Alessandro Scarlatti, cansado de los desmanes que se estaban viendo en la ópera de su tiempo.

Scarlatti decidió que las arias, lo que se llamó arias da capo, tendrían tres partes: una primera parte movida (allegro), una segunda más lenta (adagio) y la tercera que era una repetición de la primera. Esto exigía que los cantantes interpretaran estrictamente lo que estaba escrito en la primera y segunda parte, dejando la tercera para que se pudieran lucir con entera libertad.

Esta reforma contentó en principio a todas las partes: compositores, libretistas, cantantes y músicos, sin olvidar al público, que así empezaba a distinguir la estructura de un aria.

Sin embargo, las arias resultaban excesivamente largas, con el consiguiente cansancio de los intérpretes, que una vez finalizada cada una de ellas, debían abandonar la escena para descansar, lo que tenían que tener en cuenta los libretistas para que la acción que se narraba no fuera incoherente al desaparecer el cantante de la escena.

Ocurría además que las óperas consistían en una sucesión aburrida y larga de recitativos y arias, así que nuevamente se iba imponiendo la idea de una nueva reforma. Esto lo hizo el que se considera el padre de la reforma de la ópera:Christoph Gluck.

Christoph Willibald Gluck nació en Erasbach (Alemania) el 2 de julio de 1714 y murió en Viena el 15 de noviembre de 1787.

Lo que hizo Gluck fue abandonar los principios barrocos para centrarse en los neoclásicos. Hagamos un paréntesis para constatar de que modo la ópera evoluciona a la par que la historia, y la historia nos cuenta que en 1748 se descubrieron las ruínas de Pompeya y Herculano, lo que despertó en la sociedad un renovado interés por el mundo clásico. Todo lo que definía al periodo barroco: el desequilibrio, la ornamentación y la exhuberancia, deja de tener interés, y los gustos se encaminan hacia la búsqueda del equilibrio, la simplicidad y todo lo que se refiere al mundo clásico. Consecuentemente volverán a la escena los héroes y dioses de la mitología y el drama al estilo griego y romano.

https://www.youtube.com/watch?v=qL0tYCTuNc8

3. EL BARROCO (1600-1750)

                                  3. EL BARROCO(1600-1750)


El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.¹
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).²
Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo.²
El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.3

La época en el barroco:

-Política: Existian monarquías absolutas, las diferencias entre católicos y protestantes se mezclan con la política y aparecen múltiples conflictos europeos, como la guerra de los años trenta.

-Sociedad: Continua el colonialismo y el mercantilismo y la sociedad estamental.
-Cultura: En ella aparece el pensamiento racionalista, la ciencia moderna basada en la experiencia filosófica empirista de Bacon, y en ella tambien nace la novela moderna con Cervantes.
-Arte: En ello se desarrolla un estilo grandioso que remarca la luz y la sombra, de gran movimiento y fuertes colores y exsaltan los artistas en escultura, Bernini y en pintura Rubens Velazquez etc..-
-La musica en el barroco:La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del renacimiento y seguido por la musica del clacisimo.
        
                1.LA EDAD DE ORO.

La experiencia como metodo cientifico: El periodo del barroco se dio floreciendo general de la voces y las ciencias en Europa.Mientras tanto , los cientificos, partidarios de la experimentacion, modificaron las teorías en torno al universo.
-El sonido del barroco. La sonoridad caracteristica de la música barroca puede definirse por la introduccion de las siguientes novedades: en ellas se clasifican las siguientes:
-1.La utilización del bajo continuo: Se refiere a una melodía sólidamente apoyada en el bajo.
-2.Definicón clara del ritmo: A lo largo del siglo XVII se generalizó la escritura de la música, utilizando compases.
-3.Nacimiento del estilo concertato: Ultilización de distintos planos sonoros y timbres que pueden obtenerse de una orquesta.
-Los periodos de la música barroca.
El primer barroco se caracteriza por el predominio de la música vocal y experimentación armónica.
En el barroco medio. La música vocal y la instrumental tuvieron la misma importancia, pero en cuanto a la armonía se produjo una evolución hacia la tonalidad.
Durante en el barroco tardío, predomina la musica instrumental.

          1.1.MÚSICA VOCAL PROFANA
   A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".
    Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos países:

El madrigal es una de las formas vocales mas representativas de este cambio estilistico. las dos ultimas obras de Luca Marenzio y Carlo Gesualdo ya apuntan hacia la mondía que sera difinitivamente asumida a partir del Libro V de madrigales de Claudio Monteverdi, publicado en el año 1605.

El nacimiento de la ópera: La opera surge en el circulo cultural del conde bardi en florencia. La conocida como Camerata Florentino que reunía a nobles, sabios, filosoficas, poetas y músicos.
La primera ópera conservada es la de Eurídice de Jacopo de Peri, a la que seguiría otra con el mismo título compuesta por Giulio Caccini, ambas fueron representadas en el año 1600.
Caracteristicas de nla opera en el barroco:
Es una forma músical narrativa que utiliza la representación escénica. Se desarrolla en varias partes:
-Obertura: Seccion instrumental que da comienzo a la obra
-Partes cantadas por coros y solistas
-interludios: Instrumentales que se intercalan articulando las distintas partes de la obra.
A continuación podremos ver dos tipos de opera y explicar un poco de cada una.
A) OPERA SERIA. En ella aparecen temas mitológicos y heroicos, sera el genero preferido de la aristocracia. Entre los compositores de este género destacan los siguientes: Antonio Cesti, Alessandri Stradella, etc...
B)OPERA BUFA: Argumentos que reflejan la vida cotidiana del pueblo presentando con frecuencia una crítica social a las clases altas.
La ópera se convertira en uno de los géneros mas importantes del barroco que ira adoptando caracteristicas peculiares en cada nación:
En francia en inglaterra en alemania y en españa.

          2. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA.
La música religiosa sigue teniendo un gran peso durante el Barroco. Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.

La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:

• Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L'homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina...

Una variante de este tipo de misa es la de parafrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez.

• Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem, o la Misa Mille regretz de Cristóbal de Morales, basada a su vez en una canción de Josquin.

El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela venciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.

Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el madrigal espititual la lauda italiana y el coral luterano.

las nuevas formas de música vocal religiosa que aparecen son la cantata, el oratorio y la pasión.

A continuación podremos explicar lo que es la cantata el oratorio y la pasion:

-La Cantata:La cantata ("cantada", del italiano cantare) es una pieza musical  escrita para una o más voces solistas acompañamiento musical  generalmente en varios movimientos y en ocasiones con un coro. Se distingue de la pieza para ser tocada o «sonada» (la sonata). La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y olatorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri.. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces.

El Oratorio:El oratorio (del lat. oratorium = casa de oración, del lat. orare = orar) es una forma de la musica clasica europea , que consta comúnmente de coros, arias y recitativos y es interpretado por solistas, coro y orquesta. Comúnmente, el oratorio tiene una trama derivada de la religion cristiana , aunque desde el siglo XIX también se han escrito oratorios de contenido no religioso. La trama de un oratorio consiste habitualmente en partes que describen las acciones de la trama y partes que comentan lo ocurrido.

El término deriva del latín "oratorium" y significa "casa de oración". Eso indica que los comienzos de la forma se encuentran en contemplaciones religiosas, pero no litúrgicas. A diferencia del castellano, en otros idiomas hay términos diferentes para el oratorio musical y el oratorio como casa de oración. Esta se denomina en inglés "oratory", en francés "oratoire", mientras que la forma musical se denomina "oratorio" en ambos idiomas.

La Pasión: Es un tema esclusivo de la pasion y de la muerte de Cristo inspirandose en Evangelios. El compositor mas destacado de este genero es Juan Sebastian de Bach , con dos de sus obras fundamentales: La pasion segun san mateo y la pasion segun san juan.

       4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL

 es, en oposición a una canción, una composición musical o pieza sin letra u otra suerte de música vocal; toda la música es producida por instrumentos musicales. Éstos incluyen cualesquiera del orden de los de cuerda, madera, metal y percusión.

Específicamente, instrumental es usado cuando se refiere a la música popular ; algunos géneros musicales hacen poco uso de la voz humana, tales como el post rock, el jazz, la musica electronica, y gran cantidad de la clasica. En la música comercial, algunos Albunes incluyen temas instrumentales.

En música clasica, la música instrumental se define por oposición a la música vocal . Ya desde el canto gregoriano hasta el renacimiento, la música vocal dominó todas las formas posibles de música, relegando la instrumental generalmente a la danza  y a realizar introducciones a la vocal; desde el barroco la música instrumental experimentó el gran desarrollo que posibilitó todas las formas y géneros exclusivamente instrumentales, además del gran virtuosismo instrumental y el afianzamiento de conjuntos instrumentales desde pequeños (dúos, cuarteto de cuerdas) hasta la orquesta

                      4.2 LA SUITE.

La suite es una coleccion de danzas de corte que se interpretan con un instrumento polifónico o con una pequeña orquesta.

Inicialmente eran danzas para ser bailadas, pero con el tiempo se convirtieron en una excusa para hacer música destinada solo a ser escuchada.

Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una alemanda , de ritmo rápido; luego una corrente  y una zarabanda; una bourée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la GIGA. La suite tuvo su apogeo con Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de «contraposición», típico del Barroco

Entre los compositores destacan Francois couperin quien compuso muchas suites y piezas para clave.